Galerie Priska Pasquer Blog
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![[caption:] Lieko Shiga: “Chiako”, from the series “Canary”, 2007©Lieko Shiga, courtesy Galerie Priska Pasquer, Cologne
Lieko Shiga’s series “Canary” is being presented at TIME LightBox:
Dreamscapes: The Fantastical Photographs of Lieko ShigaTuesday, May 7, 2013By Marco Bohr
As the old expression “a canary in a coal mine” suggests, the small songbirds have long been a symbol of a type of early-detection system — a way of indicating something that might otherwise remain unknown. And just as the old coal mine canaries alerted miners to invisible gases and fumes, the camera is capable of capturing moments that might pass unrevealed, or undiscovered. The striking pictures in Japanese artist Lieko Shiga’s series, Canary — currently on display at the Fotografiemuseum Amsterdam FOAM — references this powerful metaphor with images that are not immediately recognizable, nor easily understood, but that are nevertheless laden with meaning.
The Amsterdam show is comprised of an extensive body of work first published as a book in 2007 — a book that has since become something of a classic among photobook collectors. The majority of images in Canary are utterly fantastical, bordering on the surreal: a giant animal skull in a room lit by mysterious blue light; a fireball writhing in midair; a woman floating above the half-naked body of a man lying in bed. Elaborate and visually arresting dreamscapes, the pictures’ effectiveness is largely achieved through an intriguing interplay between light and color. However, much of the work is also manipulated: relying on analog technologies, some negatives appear scratched while other effects appear to have been produced in the darkroom. The extent of this manipulation varies. As Shiga points out: “I always try to approach the subject in its own way.” The photographer’s methods, in other words, are dictated by the subject of the image, and not the other way around.
Perhaps because most of the images in the Canary series were produced at night or in dark, interior spaces, the work at-once possesses and exudes an unsettling, ambiguous aura. The viewer’s sense of stumbling upon another’s intensely personal dreamscape is heightened even further in the photos where the identity of the subject is disguised.
In “Restaurant Surtaj,” for instance, the details of a restaurant interior recede before the eerie presence of a woman whose face is obscured by a ghostly black presence. The photograph has the palpable sense of a half-remembered dream. The dreamer struggles to give shape to a dream — perhaps even recalling the table number in a restaurant — but can not bring into focus the face of her dinner companion.
Shiga’s work is strongly reminiscent of the black and white photography of Masatoshi Naito. In his classic project, Tono-Monogatari, from 1983, Naito interrogates the complex relationship between mysticism, spirituality and Japanese folklore in a striking series of nocturnal landscapes and portraits. By manipulating the photographic negative or print, however, Shiga also points to the inherent vulnerability of the human body. If not suspended, as it were, in Shiga’s imagination, many of her subjects would fall, collapse or drown, simply as a consequence of the laws of physics.
The emphasis on the body perhaps relates to Shiga’s past experience as a dancer, which she practiced before teaching herself photography. Rather than depicting or documenting a recognizable physical world, however, Shiga instead employs photography as a means of choreographing an emotionally and psychologically complex inner landscape.](http://24.media.tumblr.com/d229068e63d5edadc6b7d389243eca26/tumblr_mml9hxUD5T1rwf8g4o1_1280.jpg)
[caption:] Lieko Shiga: “Chiako”, from the series “Canary”, 2007
©Lieko Shiga, courtesy Galerie Priska Pasquer, CologneLieko Shiga’s series “Canary” is being presented at TIME LightBox:
Dreamscapes: The Fantastical Photographs of Lieko Shiga
Tuesday, May 7, 2013
By Marco BohrAs the old expression “a canary in a coal mine” suggests, the small songbirds have long been a symbol of a type of early-detection system — a way of indicating something that might otherwise remain unknown. And just as the old coal mine canaries alerted miners to invisible gases and fumes, the camera is capable of capturing moments that might pass unrevealed, or undiscovered. The striking pictures in Japanese artist Lieko Shiga’s series, Canary — currently on display at the Fotografiemuseum Amsterdam FOAM — references this powerful metaphor with images that are not immediately recognizable, nor easily understood, but that are nevertheless laden with meaning.
The Amsterdam show is comprised of an extensive body of work first published as a book in 2007 — a book that has since become something of a classic among photobook collectors. The majority of images in Canary are utterly fantastical, bordering on the surreal: a giant animal skull in a room lit by mysterious blue light; a fireball writhing in midair; a woman floating above the half-naked body of a man lying in bed. Elaborate and visually arresting dreamscapes, the pictures’ effectiveness is largely achieved through an intriguing interplay between light and color. However, much of the work is also manipulated: relying on analog technologies, some negatives appear scratched while other effects appear to have been produced in the darkroom. The extent of this manipulation varies. As Shiga points out: “I always try to approach the subject in its own way.” The photographer’s methods, in other words, are dictated by the subject of the image, and not the other way around.
Perhaps because most of the images in the Canary series were produced at night or in dark, interior spaces, the work at-once possesses and exudes an unsettling, ambiguous aura. The viewer’s sense of stumbling upon another’s intensely personal dreamscape is heightened even further in the photos where the identity of the subject is disguised.
In “Restaurant Surtaj,” for instance, the details of a restaurant interior recede before the eerie presence of a woman whose face is obscured by a ghostly black presence. The photograph has the palpable sense of a half-remembered dream. The dreamer struggles to give shape to a dream — perhaps even recalling the table number in a restaurant — but can not bring into focus the face of her dinner companion.
Shiga’s work is strongly reminiscent of the black and white photography of Masatoshi Naito. In his classic project, Tono-Monogatari, from 1983, Naito interrogates the complex relationship between mysticism, spirituality and Japanese folklore in a striking series of nocturnal landscapes and portraits. By manipulating the photographic negative or print, however, Shiga also points to the inherent vulnerability of the human body. If not suspended, as it were, in Shiga’s imagination, many of her subjects would fall, collapse or drown, simply as a consequence of the laws of physics.
The emphasis on the body perhaps relates to Shiga’s past experience as a dancer, which she practiced before teaching herself photography. Rather than depicting or documenting a recognizable physical world, however, Shiga instead employs photography as a means of choreographing an emotionally and psychologically complex inner landscape.
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![Rudolf Bonvie, La beauté d’un krach (Bank of America, Monday, Oct. 10, 2008) [cut-out], 2008photowork, 108 x 55 cm
Exhibition: Rudolf Bonvie - Stock Market WorksKunstverein Lippstadt, May 5 - June 23, 2013Vernissage: Sunday, May 5, 3 pmWith an introduction by Dr. Erich Franz, Münster
Börsencrash im Kunstverein Lippstadt
Unsere Realität wird durch zahlreiche massive Vorgänge bestimmt, die sich auf visuelle Weise weder erfassen noch darstellen lassen. Genau solche Themen „gestaltet“ der in Köln und Frankreich lebende Foto-Künstler Rudolf Bonvie (geb. 1947). Er richtet seine Fotolinse nicht nur auf die vermeintlich sichtbare Welt, sondern geht vor allem von vorgefundenem Material in verschiedenen Medien aus – Zeitschriften, Fernsehen, irtschaftsteil von Zeitungen, Internet mit seinen sozialen Netzwerken. Diese flüchtigen „Bilder“ dienen ihm als Grundlage für großformatige Fotoarbeiten über Vorgänge hinter dem Sichtbaren. So gelingt es Bonvie, beispielsweise die Gewalt medialer Vereinahmung des Menschen („La chasse photographique…“, 1980-82) oder die Bedrohung durch die Nukleartechnik ins visuelle Bewusstsein zu bringen („Rhapsodie nucléaire“, 1986–88).
In den Jahren 2001–2011 registrierte Rudolf Bonvie mit Hilfe von Screenshots ”real time” die dramatischen Vorgänge an den internationalen Börsen. Aus dem völlig unanschaulichen Geschehen entwickelte er sinnlich prägnante Bilder. In der Ausstellung
Rudolf Bonvie – Börsenarbeiten
zeigt der Kunstverein Lippstadt zum ersten Mal außerhalb von privaten Galerien eine Auswahl. Bonvie versucht nicht, das dramatische Geschehen an der Börse durch plakative oder expressive Mittel ins Bild zu bringen. Auf völlig unsentimentale und objektive Weise gelingt es ihm, diese eigentlich unsichtbaren Vorgänge in ihrer ebenso blinden wie faszinierenden Bedrohlichkeit vor Augen zu führen. Außer den „Börsenarbeiten“ zeigt Bonvie auch neue Arbeiten zu ebenso anonymen wie bewegenden Bildaussagen (etwa zum Thema Selbstmord), die in den sozialen Netzen des Internets aufeinander reagieren („Tumblrarbeiten“).
Vor zwei Jahren erwarb das Museum Folkwang in Essen einen umfangreichen Block vor allem von Bonvies früheren Fotoarbeiten. Einzelausstellungen veranstalteten unter anderem die Kunsthalle Bielefeld, das Museum Folkwang, der Badische Kunstverein in Karlsruhe und das Lenbachhaus in München. Eine ausführliche Dokumentation von Bonvies Werken sowie der Texte von Reinhold Misselbeck, Erich Franz, Ute Eskildsen, Andreas Vowinkel, Helmut Friedel, Friedemann Malsch, Heinz Peter Schwerfel und anderen finden Sie unter http://www.bonvie.info.
Die Ausstellung wird durch den Kunstraum Hinrichs in Trier, die Galerie Priska Pasquer in Köln sowie Eiting-Räume Köln gefördert. Es erscheint ein Katalog mit Texten von Thomas Seelig und Erich Franz.](http://25.media.tumblr.com/3c143e7adc461b015ebd9526f681dadd/tumblr_mlgd3cQI8S1rwf8g4o1_1280.jpg)
Rudolf Bonvie, La beauté d’un krach (Bank of America, Monday, Oct. 10, 2008) [cut-out], 2008
photowork, 108 x 55 cm
Exhibition: Rudolf Bonvie - Stock Market Works
Kunstverein Lippstadt, May 5 - June 23, 2013
Vernissage: Sunday, May 5, 3 pm
With an introduction by Dr. Erich Franz, MünsterBörsencrash im Kunstverein Lippstadt
Unsere Realität wird durch zahlreiche massive Vorgänge bestimmt, die sich auf visuelle Weise weder erfassen noch darstellen lassen. Genau solche Themen „gestaltet“ der in Köln und Frankreich lebende Foto-Künstler Rudolf Bonvie (geb. 1947). Er richtet seine Fotolinse nicht nur auf die vermeintlich sichtbare Welt, sondern geht vor allem von vorgefundenem Material in verschiedenen Medien aus – Zeitschriften, Fernsehen, irtschaftsteil von Zeitungen, Internet mit seinen sozialen Netzwerken. Diese flüchtigen „Bilder“ dienen ihm als Grundlage für großformatige Fotoarbeiten über Vorgänge hinter dem Sichtbaren. So gelingt es Bonvie, beispielsweise die Gewalt medialer Vereinahmung des Menschen („La chasse photographique…“, 1980-82) oder die Bedrohung durch die Nukleartechnik ins visuelle Bewusstsein zu bringen („Rhapsodie nucléaire“, 1986–88).
In den Jahren 2001–2011 registrierte Rudolf Bonvie mit Hilfe von Screenshots ”real time” die dramatischen Vorgänge an den internationalen Börsen. Aus dem völlig unanschaulichen Geschehen entwickelte er sinnlich prägnante Bilder. In der Ausstellung
Rudolf Bonvie – Börsenarbeiten
zeigt der Kunstverein Lippstadt zum ersten Mal außerhalb von privaten Galerien eine Auswahl. Bonvie versucht nicht, das dramatische Geschehen an der Börse durch plakative oder expressive Mittel ins Bild zu bringen. Auf völlig unsentimentale und objektive Weise gelingt es ihm, diese eigentlich unsichtbaren Vorgänge in ihrer ebenso blinden wie faszinierenden Bedrohlichkeit vor Augen zu führen. Außer den „Börsenarbeiten“ zeigt Bonvie auch neue Arbeiten zu ebenso anonymen wie bewegenden Bildaussagen (etwa zum Thema Selbstmord), die in den sozialen Netzen des Internets aufeinander reagieren („Tumblrarbeiten“).
Vor zwei Jahren erwarb das Museum Folkwang in Essen einen umfangreichen Block vor allem von Bonvies früheren Fotoarbeiten. Einzelausstellungen veranstalteten unter anderem die Kunsthalle Bielefeld, das Museum Folkwang, der Badische Kunstverein in Karlsruhe und das Lenbachhaus in München. Eine ausführliche Dokumentation von Bonvies Werken sowie der Texte von Reinhold Misselbeck, Erich Franz, Ute Eskildsen, Andreas Vowinkel, Helmut Friedel, Friedemann Malsch, Heinz Peter Schwerfel und anderen finden Sie unter http://www.bonvie.info.
Die Ausstellung wird durch den Kunstraum Hinrichs in Trier, die Galerie Priska Pasquer in Köln sowie Eiting-Räume Köln gefördert. Es erscheint ein Katalog mit Texten von Thomas Seelig und Erich Franz.
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Lieko Shiga “Rasen Kaigan”. Exhibition at Sendai Mediatheque.
“Rasen Kaigan” will be exhibited at the Aichi Triennale this summer (August 10 - October 27, 2013).
The photobook “Rasen Kaigan” just came out and received a first review:I’ve been dreaming about the arrival of Rasen Kaigan for months. Needless to say, it blew my expectations to shreds. Words like gargantuan, mammoth, and labyrinth only scratch the surface of the feelings and ideas inside. Is it too soon to name a best book of the decade?
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Rudolf Bonvie’s work: “Pour Sophie (Tumblrwork 3)”, 2013, at Le Monde Blog ‘Instantanés’, March 31, 2013
Tumblr, version mélancolique
Sur Tumblr, la plate-forme de microblogging, il y a bien sûr les blagues visuelles, les parodies de Christine Boutin et la pub de la Redout. Mais l’artiste Rudolf Bonvie en fait aussi la chambre d’écho de sa tristesse. Vu à la foire Art Paris, sur le stand de la galerie Priska Pasquer : Pour Sophie.Ce maelstrom d’images ressemble à ces flots d’images qu’on trouve sur Tumblr, du plus trivial au plus sérieux. Mais là l’artiste qui a vécu la mort d’une amie proche, Sophie, a placé sur la plate-forme des images d’elle et des petits mots, puis il a cherché à montrer, sous forme de tableau d’images, comment d’autres avaient partagé ses publications. Et par là sans doute un peu sa peine.
Voilà Sophie devenue une image, associée à d’autres pour produire d’autres discours, raconter d’autres histoires - tristes en général. Une façon plutôt poétique et mélancolique de voir le partage, le détournement, la réappropriation qui caractérisent l’usage actuel des images.
Claire GuillotNb : l’oeuvre est à voir sur la foire Art Paris Art Fair jusqu’au 1er avril.
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Fotobuch: Shomei Tomatsu
Mit Kaugummi und SchokoladeFreddy Langer
Shomei Tomatsu war fünfzehn Jahre alt, als er nachts am Fenster stand und zusah, wie amerikanische Bomber Nagoya zerstörten. Von „Lichtspektakel“ würde er später sprechen und von einem „Fest von metallischer Schönheit“. Das Zucken am Himmel, das Brennen der Stadt - das musste ihn innerlich zerreißen. Und doch konnte er sich dem ästhetischen Moment dieser grausamen Stunden nicht völlig erwehren. Es war eine Erfahrung, die ihn für den Rest seines Lebens prägte und die immer wieder in seinen Arbeiten zum Vorschein kommt: in der Ambivalenz von Schönheit und Grauen und in den gleichzeitig empfundenen Gefühlen von Hass und Neid. Shomei Tomatsus Leitstrahl war das Paradox.
Das war nicht ungewöhnlich im Japan der Nachkriegszeit. Die Atomexplosionen über Hiroshima und Nagasaki hatten das Land buchstäblich in eine Epoche außerhalb der Zeit gebombt. Die Vergangenheit war ausgelöscht, die Zukunft ungewiss. Der Bevölkerung war der Boden unter den Füßen fortgerissen worden, Japan hatte seine Mitte verloren - und doch schielten nicht wenige Japaner ganz unverblümt ausgerechnet nach der Kultur der amerikanischen Besatzungsmacht.
Diesem Zwiespalt, der bisweilen gar als die schizophrene Situation Japans bezeichnet wurde, widmete sich Shomei Tomatsu immer wieder während seiner langen Karriere als Fotograf, und rückblickend scheint es fast konsequent, dass ihn einer seiner ersten großen Aufträge um das Jahr 1960 nach Nagasaki führte, an den Ort der Stunde null. Ken Domon hatte dort im Stil eines sozialkritischen humanistischen Bildjournalismus Kriegsopfer fotografiert: vernarbte Gesichter, verkrüppelte Körper. Von Tomatsu erhoffte sich das „Japan Council against Atomic and Hydrogen Bombs“ für ein Pamphlet einen etwas radikaleren Blick, um sie Domons Aufnahmen gegenüberzustellen.
Ohnedies befand sich die japanische Kunst im Umbruch. Buchstäblich über Nacht hatten sich nach den Atomangriffen auf Japan die Fotografen dort von der bis dahin stilprägenden, lyrischen Bildsprache abgewandt. Fast so, als folgten sie Adornos Linie, wonach es barbarisch sei, nach Auschwitz noch Gedichte zu schreiben. Tomatsu suchte nach zeichenhaften Motiven und arrangierte mit den Ausstellungsstücken eines Museums in Nagasaki Stillleben: mit einer Armbanduhr etwa, die um 11 Uhr 02 stehengeblieben war, unmittelbar nach dem Abwurf der Bombe über der Stadt am 9. August 1945; und mit einer Bierflasche, die sich in der Hitze der Explosion zur Unkenntlichkeit verformt hatte - fast möchte man sagen, sie wurde deformiert, so unübersehbar ist die metaphorische Kraft als Bild für den Zustand einer Gesellschaft.
Eine Hassliebe spricht aus den Bildern
Es ist ein grausames Bild, dessen Objekt im gespenstischen Licht eher an einen verbrannten Kadaver oder gar einen verstümmelten Fötus erinnert als an ein Stück Glas. Wer es einmal gesehen hat, den lässt es nicht mehr los, und es kann einen verfolgen wie ein Albtraum. Es ist Tomatsus bekannteste Aufnahme - eine Ikone der Fotografiegeschichte. Sie ebnete einer neuen Ästhetik den Weg, die in Japan wenige Jahre später mit der Gruppe „Provoke“ zu ihrem Höhepunkt fand: in den kompromisslos harten, verstörenden, alle kompositorischen Konventionen sprengenden Bildern solcher Fotografen wie Daido Moriyama und Yutaka Takanashi.
Roland Angst, Verleger und Galerist in Berlin, hat nun Shomei Tomatsu einen großartigen Bildband gewidmet, der mit Aufnahmen aus der Zeit von 1951 bis 2000 dessen Lebenswerk bündelt. Um ein „Best of“ war es Angst dabei nicht zu tun; aber weil Tomatsu, der vorigen Dezember im Alter von zweiundachtzig Jahren gestorben ist, Bildauswahl und Layout noch ausdrücklich gutgeheißen hat, darf man das Buch vielleicht als eine Art Vermächtnis begreifen. Ausgerechnet auf die Aufnahme der Bierflasche hat Roland Angst verzichtet. Doch verfehlen auch die Fotografien eines geschmolzenen Kessels und des zerstörten Helms eines Soldaten aus derselben Zeit nicht ihre Wirkung. An rätselhaften Motiven und symbolischen Bildern herrscht in dem Buch auch sonst kein Mangel. So ist Shomei Tomatsu weniger ein Flaneur im Alltag des aufstrebenden Wirtschaftswunderlands als dessen Analytiker. Seine Kommentare allerdings sind seltsam unbestimmt. Eine Hassliebe spricht aus den Bildern. Bisweilen spürt man die Sehnsucht nach den verlorenen Traditionen. Dann schaut ein Fischer von seinem Boot aus mit leerem Blick übers Meer.
Der wiedererwachte Drache
Die Wirklichkeit aber ist anders: Wie ein Gewitter entladen sich die Schilder der Coca-Cola-Werbung über einem Getränkestand, und für die Parade von Pappfiguren lächelnder japanischer Stewardessen hat Tamatsu nur Spott. Skeptisch fotografiert er eine junge Japanerin, die ihr Haar nach amerikanischer Manier hochgesteckt hat - aber dann wird einer alten Frau im Kittel ihr meterlanges Haar zur Bürde. Vielleicht müsste man für Tomatsus Bilder den Begriff der orientierungslosen Fotografie erfinden. Dass sie dann und wann in den Surrealismus rutschen, kann nicht überraschen.
Vermutlich macht das die leidvollen Momente erträglicher: den Krieg, die Taifune, Hochwasser, Überschwemmungen, die Straßenkämpfe mit der Polizei während der Studentenunruhen in Tokio - aber auch Erlebnisse in jenen Bordellen, die vor allem von amerikanischen Soldaten besucht wurden: Da wirkt eine der Prostituierten wie tot hingestreckt auf einem Tisch in der Pathologie, während eine andere den Qualm einer Zigarette durch die Nasenlöcher ausbläst, als würde sie sich jeden Moment in den wiedererwachten großen Drachen verwandeln. Doch am Ende ließen sich alle zähmen - sicher nicht nur, aber eben auch mit Kaugummi und Schokolade, wie Tomatsu eine seiner Serien nannte.
Roland Angst: „Shomei Tomatsu. Photographs 1951 bis 2000“. Verlag Only Photography, Berlin 2012. 127 S., Abb., geb., 188 Euro.
Eine Ausstellung mit Fotografien von Shomei Tomatsu zeigt die Galerie Priska Pasquer in Köln noch bis zum 26. Februar.
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Postscript: Shomei Tomatsu
By Jessie Wender
This past December, the photographer Shomei Tomatsu died, at age eighty-two, in Naha, Okinawa. “Tomatsu will be remembered for his extremely powerful images, images which are often completely new and carry a complex meaning,” Ferdinand Brueggemann of Galerie Priska Pasquer, in Cologne, told me. “His best works are able to catch the viewer immediately but, at the same time, provoke the viewer to search for more information below the surface. A more deep examination uncovers layers of meaning, which can be personal, cultural, political, or historical, and everything at the same time… Tomatsu’s work hasn’t been properly introduced to the Western audience yet, and in the past decade he’s only had one major museum solo show, atSF-MOMA, which then travelled to New York, Washington and Switzerland. ”
Tomatsu was a self-taught photographer. In the late nineteen-fifties, he participated in the “Eyes of Ten” exhibitions, and, with five of the other participating photographers (Eikoh Hosoe, Kikuji Kawada, Ikko Narahara, Akira Sato, and Akira Tanno), he formed the agency VIVO, which Brueggemann calls the “epicenter” of Japanese photography in the nineteen-sixties. Tomatsu’s major projects include photographing the U.S. occupation and subsequent Americanization of Japan; the “Hiroshima-Nagasaki Document,” in which he and Ken Domon photographed the aftermath of the atomic bomb; and pictures of both violence in the streets and the life styles of students in Shinjuku, Tokyo. “Tomatsu was a highly important mentor of younger Japanese photographers,” Brueggemann told me. “In my opinion, in the future, Tomatsu will be known not only as Japanese photographer but as one of the most important photographers of his time.”
Tomatsu’s work is currently on view at Galerie Priska Pasquer, in Cologne, through February 26th, and can be seen in New York as part of MOMA’s “Tokyo 1955-1970: A New Avant-Garde.”
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Le Monde, January 10, 2013
Photographe majeur du Japon d’après-guerre
Shomei Tomatsu
Claire GuillotL’image la plus célèbre de Shomei Tomatsu est troublante. Est-ce le corps d’un animal écorché? Une forme humaine totalement défigurée? On n’ose guère s’en assurer. En réalité, il s’agit d’une simple bouteille de bière, fondue et difforme, transfigurée par le souffle de la bombe lâchée sur Nagasaki en 1945. Shomei Tomatsu est celui qui a le mieux réussi à évoquer l’atrocité des bombardements sur le Japon avec une série réalisée quinze ans après les faits. Figure fondatrice de toute la photographie japonaise, connu pour ses images oniriques, il est mort le 14 décembre à 82 ans, des suites d’une pneumonie. Malgré sa renommée dans et à l’étranger, il a fallu trois semaines pour apprendre son décès.
16 janvier 1930 Naissance à Nagoya (Japon)
1958 Séries «The Chewing Gum and Chocolate», sur l’occupation américaine
1960 Série «Nagasaki 11:02» sur les vestiges des bombardements
14 décembre 2012 Mort à NahaCe délai est conforme à la discrétion qui a caractérisé toute sa carrière: Shomei Tomatsu ne sortait pas de son pays et donnait peu d’interviews. Son œuvre a fait corps avec le Japon de l’après-guerre, forcé de se réinventer une identité après le traumatisme de la défaite et de l’occupation américaine, déchiré entre ses traditions vivaces et l’inexorable modernisation. L’enfance de Tomatsu, forgée dans la guerre, a durablement marqué sa vision: en 1945, dans un Japon où 10 millions de personnes sont sans abri, Shomei Tomatsu a juste 15 ans. Les avions américains qui bombardent l’effrayent autant qu’ils le fascinent: il refuse de rejoindre les abris et racontera plus tard qu’il posait un miroir sur le sol pour voir passer les B-29, qu’il compare à «un mystère interdit, une fête de beauté métallique». Une ambiguïté qui se retrouvera dans ses futures images.
Les «ruines à l’intérieur»
Diplômé d’économie, Shomei Tomatsu s’engage dans la photographie en autodidacte et devient indépendant en 1956. Avec d’autres photographes, comme Ikko Narahara et Eikoh Hosoe, il fonde l’agence Vivo, au sein de laquelle il trouve son style: des images fragmentaires et symboliques, comme des éclairs saisis en passant, loin des codes narratifs de la presse. Au début, il se concentre sur les traces de la présence américaine – un thème qui reviendra ultérieurement dans son œuvre. Sa série la plus forte, Nagasaki 11:02 (1962), est à l’origine une commande du Comité contre la bombe atomique. Il retourne à Nagasaki quinze ans après les faits et fait face à un lieu où le temps s’est arrêté, où le traumatisme reste omniprésent: ses images montrent les cicatrices sur les corps des victimes mises à l’écart, des objets épars réunis dans un musée. Et une usine reconstruite où l’ombre d’un arbre s’imprime sur les murs comme si elle avait été gravée par la bombe d’antan. «Ce que j’ai trouvé à Nagasaki, ce n’est pas seulement les cicatrices de la guerre, c’est un après-guerre jamais terminé. Moi qui voyais les ruines comme la transformation d’un paysage urbain, j’ai compris que les ruines se trouvent aussi à l’intérieur des hommes.»
En cinquante ans de carrière, son travail va refléter les changements de la culture japonaise, soumise à l’influence américaine et à une ouverture grandissante sur le monde. Plusieurs séries de photographies mettent en valeur les protestations de la jeunesse des années 1960. Son livre Oh! Shinjuku, en particulier, consacré à un quartier central de Tokyo en pleine mutation, donne à voir le style de vie bohème des habitants, la vie nocturne échevelée de ces jeunes dont il ne fait déjà plus partie.
A la fin des années 1960, c’est contre des figures reconnues comme Shomei Tomatsu que de jeunes photographe set écrivains tels que Daido Moriyama, Takuma Nakahira ou Koji Taki se sont élevés, fondant une revue mythique nommée Provoke. Mais, avec les années, l’œuvre de Shomei Tomatsu a été considérée comme annonciatrice de cette rupture avec sa manière radicale de signifier les choses de façon allusive et poétique. Auteur d’une quinzaine de livres, collectionné par les plus grands musées, Shomei Tomatsu a été salué en 2006 par une grande rétrospective présentée au MoMA de San Francisco et intitulée «Skin of a Nation».
Caption: portrait de Tsuyo Kataoka, victime de la bombe atomique larguée sur Nagasaki en 1945.
©Shomei Tomatsu, courtesy Galerie Priska Pasquer, Cologne
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Kölnische Rundschau, 10.1.2013
Japans Bildgewissen
Ausstellung mit Fotos des verstorbenen Shomei Tomatsu -
Le Figaro, Jan. 8, 2013
Shomei Tomatsu, père de la photo japonaise, est mort
Par Valérie Duponchelle
INFO LE FIGARO - Shomei Tomatsu (1930-2012) était la figure de la photographie de l’après-guerre. Ses séries Nagasaki et Scars sont dans tous les grands musées du monde. Il est mort le 14 décembre, a-t-on appris, lundi, au Japon.
Le père de la photographie japonaise, la légende de l’image bardée de récompenses internationales, l’auteur d’innombrables publications (déjà 17 livres dans sa bibliographie choisie) et le Japonais au travail accusateur couronné par une rétrospective au San Francisco Museum of Modern Art (Shomei Tomatsu: Skin of a Nation en 2004) n’est plus, a-t-on appris, lundi, de source japonaise. Né Teruaki Tomatsu en 1930 à Nagoya, Shomei Tomatsu s’est éteint le 14 décembre dernier à Naha, près d’Okinawa, où il s’était installé ces dernières années. Intimité oblige, la nouvelle est restée confidentielle en cette veille des fêtes, période très privée au Japon et trêve à l’activité complètement suspendue, grands musées et ateliers des artistes stars comme Takashi Murakami y compris. Figure vénérée du Japon de l’après-guerre, ce photographe de Hiroshima et Nagasaki, dix ans après la bombe, était un pacifiste convaincu, un philosophe en retrait et un homme discret, économe de ses mots et de ses émotions publiques.
Maître soyeux du noir et blanc
Shomei Tomatsu résuma le drame nucléaire et la fin du monde en une bouteille fondue et solarisée, traînant comme un cadavre extraterrestre sur les ruines de la ville atomisée. Ou par un visage de femme, vu de trois quarts, sillonné de cicatrices terribles d’après la fusion nucléaire, souvenir d’une beauté effacée cruellement (Christian with Keloidal Scars, 1961, dans les collections du MoMA à New York). Par son regard délicat mais explicite, tout en «understatements» et en compositions décalées, ce maître soyeux du noir et blanc est devenu le symbole même de la modernité. Ainsi a-t-il inspiré les artistes de l’objectif nés dans son sillage, du bouillonnant Daido Moriyama (actuellement exposé à la Polka Galerie à Paris jusqu’au 12 janvier, et à la Tate Modern à Londres jusqu’au 20 janvier), à Yutaka Takanashi ou Nobuyoshi Araki, le diable du bondage photographique dont Taschen vient de sortir un livre en édition collector.
Tomatsu avait commencé sa vie de façon assez académique en étudiant l’économie à l’université d’Aichi en 1954. Étudiant, il voit ses premières photos publiées dans les grands magazines japonais spécialisés. Il travaille d’abord comme photographe pour la maison d’édition Iawanami Shashin Bunko, y rencontre Nagano Shigeichi. En 1959, il crée, avec ses pairs Kiruji Kawada, Akira Sato, kira Tanno, Ikko Narahara et Eikoh Hosoe, l’agence photo Vivo qui va devenir l’épicentre de la photographie japonaise de l’après-guerre. La même année, il commence à photographier les bases américaines disséminées sur tout l’archipel japonais, comme les effets dévastateurs d’un typhon qui a détruit la maison maternelle. On lui passe commande d’un livre sur Nagasaki et la bombe qui mit fin à la guerre, aventure qu’il entreprend avec Domon Ken. Ce travail restera associé à son nom, tant par sa force que par sa pudeur. Dans les années 1960, il documente les mouvements de protestation étudiants au Japon et la nouvelle vie de bohème qui se crée alors à Shinjuku, à Tokyo.
De Nagasaki à Fukushima
«Shomei Tomatsu est un artiste majeur car il a inventé des images», résume pour Le Figaro sa galeriste de Cologne, l’ardente Priska Pasquer. «Il a réussi à assembler la forme et le fond pour créer une certaine atmosphère, un esprit qui est comme le titre d’un thème musical et qui met en évidence un sujet, un questionnement. De ce fait, chaque photographie est une œuvre d’art plutôt qu’un simple élément d’une série. Comme une borne qui délimite un territoire, un objet unique qui vous touche comme une comète tombée du ciel. Chaque photographie est inoubliable. Son travail restera dans nos esprits, nos âmes et nos cœurs éternellement», résume, depuis le Japon, cette proche de l’artiste. Au dernier Paris Photo en novembre au Grand Palais, les amateurs ont découvert grâce à elle son travail inédit en couleurs, abstrait et fulgurant comme cette tache d’encre rouge très «seventies» qui éclabousse un paysage urbain horizontal.
Le Figaro avait eu le privilège d’interviewer Shomei Tomatsu en avril 2011, au lendemain du drame de Fukushima. «Le 11 mars, j’étais à Okinawa, fort loin du Nord et de la catastrophe. J’ai regardé les images de ce désastre à la TV. Un peu. Je n’ai pas recherché l’avalanche d’images. La réalité est bien plus dure que les seules visions de ces villages engloutis. On ne peut pas traduire pareil drame en mots. Le fait qu’il y ait tant de victimes est en soi un tournant pour le Japon. La force de la nature, incroyable, rappelle à l’homme le grand dommage qu’il a exercé sur elle», nous confiait-il alors, en évitant toute dramatisation inutile. Il souligna: «Rien à voir avec Hiroshima et Nagasaki: c’était une bombe. À Nagasaki, j’avais vu et suivi toutes ces victimes de la bombe (série «Nagasaki» et «Scars»). Cette fois-ci, la radioactivité s’échappe de façon invisible, menaçant d’irradier les gens d’une autre façon, moins spectaculaire, plus lente. C’est la défaite de la science qui perd tout contrôle, la défaite de la civilisation qui a été trop vite, la mise en évidence de notre dépendance à l’égard de l’énergie nucléaire. Que faire? Il serait bien qu’on pense à se débarrasser de ces centrales, même si je n’ai pas de solution scientifique ou concrète de rechange. L’électricité nucléaire a d’abord été perçue comme une avancée de la civilisation. Le problème des découvertes scientifiques, c’est qu’elles sont sans limites.»
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Caption: Shomei Tomatsu: “Coca-Cola, Tokyo”, 1969
©Shomei Tomatsu, courtesy Galerie Priska Pasquer -
Kölner Stadtanzeiger, 7.1.2013
Shomei Tomatsu mit 82 Jahren gestorben
Damian Zimmermann
